1930-е: советская технология говорящей бумаги
Технике звукозаписи и звуковоспроизведения всего-то примерно полтора века, но в эту историю уже вписано множество интереснейших страниц. Как минимум одна из них принадлежит России. Поистине революционная альтернатива патефону выпускалась некогда в старинном русском городе Коломна.

Лучше, чем кино
Официальное название этого устройства звучит так: аппарат для воспроизведения фонограмм «Говорящая бумага» типа ГБ-8. Такое необычное наименование вызывает постоянные вопросы посетителей музея: «Что это? Обыкновенная бумага? Неужели она может говорить?» И приходится вновь и вновь рассказывать историю вещи, которая давно ушла из нашего обихода, но оставила интересный след в летописи инженерной мысли.

Аппарат появился на свет в Советском Союзе в самом начале 1930-х годов. В это время страна, выполняя задачи первого пятилетнего плана, быстрыми темпами создавала различные отрасли промышленности и выпускала новую технику. В 1935 году популярный журнал «Смена», выходивший тогда в издательстве ЦК ВКП (б), впервые рассказал об интересной технической новинке. Инженер Борис Павлович Скворцов, будучи автором 20 изобретений, придумал очень необычную машину — «Говорящую бумагу». Позже в работу над аппаратом включился режиссер Борис Федорович Светозаров, один из пионеров научно-популярного кино в СССР.

В основе изобретения лежали новейшие достижения технической мысли, подсказанные звуковым кино. Скворцов задался вопросом: «Если в звуковых кинокартинах и тонфильмах звук записан на пленку в виде зигзагообразной черной полосы, то нельзя ли подобным образом записать звук не на пленке и для других целей?» Запись звука на пленке держалась непрочно, целлулоид быстро рвался и изнашивался, был огнеопасен и очень дорог. После ста прокатов кинофильма смотреть и слушать его становилось невозможно. Скворцов предложил новый звуконоситель — обыкновенную бумагу. Это казалось фантастикой! Начались эксперименты, которые дали хорошие результаты. Бумажная лента почти не изнашивалась при многократном прослушивании, была дешевой и гораздо менее дефицитной, чем импортный шеллак, из которого тогда делали пластинки. Запись на ленте легко монтировать с помощью ножниц и клея. А главное, сделанную запись можно было размножить полиграфическим способом в любой типографии без малейшей потери качества.

Говорящая бумага была создана инженером Борисом Павловичем Скворцовым (на фото) в сотрудничестве с режиссером кинодокументалистом Борисом Федоровичем Светозаровым.
Однако, несмотря на явные преимущества построенного считывания бумажной ленты аппарата, конструктору пришлось вести упорную борьбу за его признание. «Тугодумы» (именно такое определение дает он в своей статье 1935 года) из Комитета по изобретениям не хотели признавать «Говорящую бумагу». Дело дошло даже до того, что она «произнесла речь» в свою защиту на заседании Совета народных комиссариатов СССР. А однажды ввела в заблуждение секретаря самого Серго Орджоникидзе, который был в то время народным комиссаром тяжелой промышленности. Оказывается, в момент, когда аппарат воспроизводил некую речь Орджоникидзе, записанную на бумаге, лабораторию Скворцова соединили по телефону с Наркомтяжпромом. Секретарь, услышав в трубке голос своего руководителя, ответил: «Слушаю, товарищ Орджоникидзе!» Это было лишним свидетельством того, насколько точно передавала интонацию воспроизводимого голоса «Говорящая бумага».

Коломенское качество
Отметив огромную ценность данного изобретения, Совнарком постановил «создать все условия для его распространения». Но жизнь распорядилась по-своему. Только через пять лет, в июне 1940 года, газета «Коломенский рабочий» сообщила о выпуске первых образцов аппарата «ГБ». Впервые в СССР они были изготовлены экспериментальным цехом «Коломенского граммофонного завода».

Вряд ли было случайностью, что освоением и выпуском «Говорящей бумаги» занимался «Грамзавод» Коломны. С 1934 года основной продукцией этого предприятия были патефоны, получившие название ПТ-3. Спрос на них был столь велик, что их выпускали по тысяче штук в день. И хотя патефоны изготавливались многими заводами (Владимирским патефонным заводом, ордена Ленина заводом «Молот» в Вятских Полянах, Ленинградским заводом «Северный пресс» и другими), ряд фактов показывает, что коломенская «марка» имела некоторые преимущества перед остальными.

Общий принцип работы
В аппарате Скворцова, предназначенном для воспроизведения звука, бороздка записи, напечатанная литографским способом на белой бумажной ленте, протягивалась перед камерой оптики. На ленту направлялся узкий пучок света. Часть света поглощалась черной бороздкой, часть отражалась в специальном зеркальце, из которого попадала на фотоэлемент. Под действием переменной силы света на выходе фотоэлемента возникало переменное напряжение; этот электросигнал в дальнейшем усиливался, и громкоговоритель воспроизводил звук, записанный на ленте. На бумажной ленте печатали не одну, как на кинопленке, а восемь звуковых дорожек, располагая их параллельно. После того как прослушивалась одна из них, следующая шла в противоположном направлении, что давало возможность избегать перемотки ленты на начало. Таким образом, воспроизведение продолжалось беспрерывно более 40 минут. Для сравнения: грампластинка тех времен при скорости вращения 78 оборотов в минуту звучала всего лишь 3,5−5 минут.
Так, в ноябре 1935 года советскому писателю Н.А. Островскому — автору знаменитого романа «Как закалялась сталь», после вручения ордена Ленина в качестве подарка был преподнесен именно коломенский патефон с набором пластинок. Продукция «Патефонки» (именно так называли завод в обиходе) активно продавалась за рубеж: в Афганистан, Китай, Иран, Монголию и другие страны. На Всемирной выставке искусств и техники в Париже в 1937 году экспонировался ПТ-3 с эмблемой: «Коломенский патефонный завод. Н.К.О.М. СССР». Все это подтверждало достойный уровень и мировое качество продукции завода.

Освоение нового аппарата «ГБ-8» пошло на заводе уверенными темпами. К весне 1941 года было собрано около 700 аппаратов. В изготовлении деталей для них принимали непосредственное участие коллективы всех цехов завода. Особо (через городскую газету «Коломенский рабочий») была отмечена работа начальника экспериментального цеха Максима Григорьевича Момота, слесарей Соловьева и Тарасова, а также их коллег из инструментального цеха — Конина и Апполонова.

Забегая вперед, заметим, что сегодня от «Коломенского граммофонного завода» ничего не осталось. Вместе с ним ушли в небытие документы и люди. Судьба талантливого инженера и изобретателя М.Г. Момота, стоявшего у истоков организации производства, как, впрочем, и еще целого ряда лиц — теперь загадка. Восстанавливать сведения о них приходится по крупицам, хотя только их трудами и стараниями продукция завода увидела свет.

Обложка грампластинки, выпущенной в 1985 году. Все музыкальные треки для этого диска были переписаны с бумажных фонограмм.
Механика и оптика
Но перейдем к описанию «Говорящей бумаги», которое приводится в инструкции к аппарату 1941 года. В ней читаем: «Аппарат ГБ-8 предназначен для оптического воспроизведения фонограмм (с восемью звуковыми дорожками), отпечатанных полиграфическим способом на бумажной ленте. Аппарат оформлен в виде приставки к радиоприемнику и работает с любым ламповым приемником, имеющим гнезда для адаптера. Аппарат работает от сети переменного тока 110, 127 или 220 вольт в зависимости от положения колодки на силовом трансформаторе. Мощность, потребляемая аппаратом от сети, составляет примерно 80−90 ватт.

Аппарат заключен в ящик, снабжен двумя открывающимися дверцами, за которыми расположены: лентопротяжный механизм, переключатель на три положения и кнопка. На лицевой стороне панели лентопротяжного механизма расположены: ведущий барабан, катушка для установки рулона ленты (фонограммы), катушка для закрепления конца бумажной ленты и подвижная каретка оптики с помещенными в ней подсвечивающей лампой, цилиндрическим микрообъективом, параболоидным зеркалом и фотоэлементом.

Принципиальная схема аппарата «Говорящая бумага», сохранившаяся в запасниках Краеведческого музея Коломны.
Лентопротяжный механизм аппарата приводится в движение синхронно-асинхронным реверсивным мотором с вмонтированным в него редуктором. Мотор расположен внутри ящика аппарата. Потребляемая мощность его около 35−40 ватт.

Световой поток, излучаемый подсвечивающей лампой, направляется цилиндрическим микрообъективом на движущуюся поверхность бумажной фонограммы. Отраженный от фонограммы свет собирается параболическим зеркалом и падает на фотоэлемент.

Фотоэлемент соединен с фотоблоком, расположенным внутри аппарата. Фотоблок состоит из однокаскадного усилителя фотопотоков, лампового генератора, питающего нить подсвечивающей лампы током повышенной частоты, и выпрямителя, питающего фотокаскад и генератор.

Трансформатор выпрямителя одновременно используется как автотрансформатор для питания мотора аппарата.

Для воспроизведения звука в аппарате используется специальная фонограмма, отпечатанная полиграфическим способом на бумажной ленте.

Лента шириной в 35 миллиметров намотана рулоном на картонное кольцо с прорезью. На свободный конец ленты наклеена полоска коленкора, служащая для закрепления ленты на катушке аппарата.

Фонограмма имеет восемь звуковых дорожек, на которых звук записан в разных направлениях, то есть если первая дорожка идет слева направо, то вторая дорожка, являющаяся продолжением первой, идет справа налево, третья дорожка — слева направо и т. д. Такое расположение записи дает возможность, при автоматическом переключении лентопротяжного механизма, получать непрерывное звучание в течение до 45 минут. При перематывании ленты с катушки на катушку поочередно проигрываются I, III, V и VII, т. е. нечетные звуковые дорожки, а при движении ленты в обратную сторону воспроизводятся четные дорожки. На наружном конце каждого рулона ленты указано содержание записи».

Аппарат предоставлял слушателю немало удобств: специальный переключатель позволял слушать любую дорожку, регулятором можно было установить нужную громкость. При считывании бумажных фонограмм не происходило повреждений звуковых бороздок, как при проигрывании пластинки, а это гарантировало до 3000 прослушиваний без ухудшения качества записи. Кроме того, аппарат «Говорящая бумага» стал прообразом радиолы: он был настроен на прием двух крупнейших станций — ВЦСПС и имени Коминтерна. В пору, когда о многопрограммных радиоточках никто не помышлял, это казалось неслыханным прогрессом.

20 рулонов для «Иоланты»
В 1941 году новинка коломенского «Грамзавода» поступила в московские магазины, которые предлагали ее купить за 572 рубля. Если учесть, что средняя зарплата рабочих и служащих по стране в то время составляла 354 рубля в месяц, то приобретение такой техники было сродни покупке предметов роскоши. Поэтому еще долгое время все слои населения предпочитали патефоны, которые производились на любой вкус и стоили от 90 до 230 рублей.

Выпуском фонограмм для аппарата занималась фабрика «Говорящая бумага» Объединения государственных книжно-журнальных издательств при Наркомпросе РСФСР, которая находилась в Москве на 2-й Рыбинской улице. Репертуар, записанный на бумажные рулоны, составлялся весьма разнообразно. Это были речи партийных и государственных деятелей (Сталина, Ворошилова, Молотова, Калинина, Орджоникидзе), музыкальные произведения джаз-оркестров Леонида Утесова и Александра Цфасмана, хора имени Пятницкого, Краснознаменного ансамбля песни и пляски Красной армии, концерты популярных исполнителей народных песен и советских композиторов. Но главным достижением отечественной звукозаписи была фонограмма оперы П.И. Чайковского «Иоланта» с подробным комментарием, содержавшая около 20 бумажных роликов. Трудно представить этот объем в «грампластиночном» эквиваленте.

К сожалению, изобретение было обречено. Начавшаяся вскоре война изменила все планы. Осенью 1941 года «Грамзавод», так же как и большинство коломенских заводов, эвакуировали в город Белово Кемеровской области, где был налажен выпуск раций для танков. Через год в помещения «Патефонки» поместили завод текстильных машин имени Энгельса, вывезенный из осажденного Ленинграда, где развернулись работы по изготовлению мин и миновзрывателей.

После войны к аппарату «ГБ-8» тоже не вернулись. Многоступенчатость и сложность его производства, высокая цена и, главное, качество звучания, особенно по сравнению с долгоиграющими дисками, появившимися в 1950-х годах, привели к тому, что коломенская «Патефонка» производство «Говорящей бумаги» прекратила. В 1985 году Всесоюзная студия грамзаписи выпустила сенсационную пластинку «Концерт на бумаге». Песни и танцы, размещенные на ней, были переписаны с рулонов фабрики «Говорящая бумага». О том, что такая фабрика когда-то существовала, как, впрочем, и о бумаге, умеющей говорить, уже никто не помнил. Осталось добавить, что несколько лет назад экспонат коломенского музея попал в руки двух молодых сотрудников Конструкторского бюро машиностроения. Они несколько дней «колдовали» над ним и сотворили чудо: говорящая бумага, молчавшая семь десятков лет, заговорила!

Древнейшая мелодия в мире: как звучит Хурритский гимн №6
Многие заблуждаются, называя древнейшей нотной записью «эпитафию Сейкилоса» из Древней Греции. Песня, записанная словами и знаками нотации на могильном камне неподалёку от Эфеса, датируется всего лишь 200 – 100 г. до н.э., то есть её можно назвать относительно молодой. Старейшими же «нотными записями» являются хурритские песни, которым исполнилось уже почти 3500 лет!
Хурриты — это народность, жившая за пару тысяч лет до нашей эры на территории Месопотамии. Они образовали ряд небольших месопотамских государств, торговали там, воевали, в общем, жили как жилось. Никакой Древней Греции в те времена не было как таковой. В 1950-е годы велись активные раскопки королевского дворца хурритского государства Угарит близ холма Рас-Шамра (ныне, к несчастью, на территории Сирии).

В процессе было найдено 36 клинописных табличек с записями, отличными от обычных текстов (правда, только одна сохранилась целиком, без повреждений). Таблички впервые опубликовал французский археолог Эмануэль Лярош — уже с пояснениями. Клинопись к тому времени уже была давно расшифрована, и потому Лярош сразу понял, что на табличках — музыка, тексты гимнов с пояснениями, как их нужно исполнять. Более того, на некоторых фрагментах сохранились имена авторов музыки, то есть древнейших известных нам композиторов. Таблички датируются 1400 годом до нашей эры. Лучше всего сохранилась табличка №6, на которой записан гимн Никкал, богине садоводства (правда, как раз тут имя композитора не указано). На табличке — текст гимна (песни) и инструкция для аккомпаниатора, который должен был играть на девятиструнном саммуме (разновидности лиры). А на другой табличке есть даже руководство по настройке саммума. Вот она, табличка №6.

Так или иначе, сегодня таблички хранятся в Национальном музее Дамаска (мы искренне надеемся, что толпа революционеров не разрушит музей в ходе очередной войны).

Хит из прошлого

В отличие от расшифрованной и сыгранной эпитафии Сейкилоса, хурритские песни являются источником отчаянных споров археологов и музыкантов. Основный базой расшифровки служит, естественно, целиком сохранившийся гимн Никкал. Впрочем, все 36 гимнов, судя по фрагментам, записаны единым образом. Текст каждой песни идёт по длинной спирали, не бустрофедоном, а просто непривычно, и написан на хурритском языке. Под текстом записаны — уже на аккадском языке — инструкции по исполнению: названия интервалов и номера, обозначающие ноты. Именно эта запись влечёт за собой споры, поскольку нет точной интерпретации всех обозначений нот и интервалов. В самом низу таблички наличествует колофон с именем автора или как минимум писца. На табличке с гимном в колофоне написано: «Эта песня записана в музыкальном строе "ниткибли" писцом Аммураби». Аммураби — имя аккадское, так что, скорее всего он не сочинил музыку, а только записал её, плюс пояснения писал на родном, аккадском языке (хотя хурритский тоже, несомненно, знал). На фрагментарных табличках, содержащих остальные гимны, найдено четыре имени композиторов — и это хурритские имена. Что ж, вот они, древнейшие Чайковские и Моцарты: Тапсухини, Пухийяна, Урхийя (этот написал целых два гимна, 8-й и 12-й) и Аммийя.

Аккадская диатоническая система нам, в общем-то, известна. Существует целых три таблички из разных источников, где она описана вполне конкретно, и соотнести её с современной не столь и трудно для знающих людей. Интервалов в этой системе было четыре — терция, кварта, квинта и секста, но проблема состоит в другом. Дело в том, что в каждом прикладном случае система базируется на конкретном инструменте. То есть запись музыки для семиструнного (принятого в Вавилоне) и девятиструнного (более редкого) гаджета выглядит по разному, и интервалы обозначаются различным образом. Кроме того, не всегда ясно, относится ли обозначение к целому септаккорду, или, например, к седьмой ноте.

Не будем вдаваться в подробности шумерско-аккадской струнно-нотной системы. Большая часть этой теории базируется на интервалах именно между семью струнами, и в результате получается не четыре интервала, а чуть ли не все двадцать четыре, да ещё обременённые зависимостью от вида инструмента. В общем, если кто хочет, может разобраться самостоятельно. Вот так выглядят в расшифровке первые две строки гимна Никкал:

qáb-li-te 3 ir-bu-te 1 qáb-li-te 3 ša-aḫ-ri 1 i-šar-te 10 uš-ta-ma-a-ri
ti-ti-mi-šar-te 2 zi-ir-te 1 ša-[a]ḫ-ri 2 ša-aš-ša-te 2 ir-bu-te 2

При расшифровке таблички возникла и ещё одна проблема. Некоторые слова встречались и в хурритском, и в аккадском языках, и писались одинаково — только вот значение у них было разное.

Надо заметить, что с пониманием текста тоже есть проблемы. В частности, хурритский язык расшифрован не до конца, плюс тексты гимнов написаны на локальном угаритском диалекте, который отличается от более или менее расшифрованных диалектов других хурритских государств. Впрочем, так или иначе, в тексте о Никкал восхваляется она, богиня садов, жена бога Луны. Текст написан в четыре строки, причём, судя по всему, последние семь слогов каждой из первых трёх строк должны повторяться в начале последующее строки по два раза. Впрочем, это теория Ляроша, который схожую схему уже встречал в вавилонских текстах. Иные же археологи придерживаются других теорий относительно методики повторения рефрена.

Известную попытку переложить хурритские песни (точнее, гимн Никкал) в современную музыкальную форму, перевести слова целиком и всё это триумфально опубликовать, сделал немецкий учётный Ханс-Йохен Тиль в 1977 году. Вторую — Тео Криспийн спустя четверть века, в 2000 году. Всего существует шесть интерпретаций (Тиль и Криспийн — это две последние, просто они единственные решились опубликовать полную расшифрованную версию; первую интерпретацию, частичную, дал сам Лярош, затем ещё ряд учёных). А вот сыграть по нотам Хурритский гимн №6 попытался первым Дэвид Вальстен в 1971 году. Наиболее точной интерпретацией на сегодняшний день считается сыгранная в 1993 году версия Мартина Личфилда Уэста.

Реконструкция мелодии, сыгранная известным специалистом по античной музыке Майклом Леви. Здесь Леви играет её именно для видеозаписи, она существует в студийном варианте на его диске Ancient Landscapes.

Как звучит стекло: самые странные стеклянные инструменты
Музыкальные инструменты изготовляют из различных материалов. Из дерева, из металла, из кожи, даже из пластмассы. Но попытайтесь прямо сейчас вспомнить хотя бы один музыкальный инструмент, сделанный из стекла. Бьюсь об заклад, что это получится далеко не сразу — или не получится вовсе. Ведь стекло, такое привычное в наших домах, крайне редко встречается в мире музыки. Но инструменты из стекла, конечно, существуют — о них и пойдет речь.

Если говорить серьезно, то стеклянных музыкальных инструментов (кристаллофонов) совсем мало: стеклянная арфа, веррофон, стеклянная гармоника и стеклянная флейта. Конечно, умельцы изготавливают из стекла даже скрипки и органы — но это относится уже к разряду курьезов.

Стеклянная арфа
В начале XVII века, когда человек научился создавать из стекла весьма тонкие изделия, кто-то заметил, что если провести пальцем по краю влажного бокала, то раздастся тонкий, певучий звук. Конечно, такие развлечения были доступны лишь представителям высшего общества — тонкое стекло стоило дорого.

Так появилась стеклянная арфа — или, как ее первоначально называли, «ангельский орган». По сути, это просто набор бокалов (30−40 штук), наполненных водой. Закон прост — чем полнее бокал, тем выше звук. Варьируя размеры бокалов, их форму и количество воды, музыканты добивались диапазона в три октавы! Музыкальную арфу нетрудно соорудить дома — какие бокалы найдутся, те и используйте. Главное, чтобы край был ровный, без сколов и без глазури.

Стеклянные инструменты в России

Сегодня в России есть несколько коллективов, использующих стеклянные инструменты. Самый известный – «Crystal Trio» под руководством Игоря Склярова. В составе коллектива три человека.
Основатель коллектива Игорь Скляров играет на стеклянной арфе. Свою первую арфу он сконструировал в 1998 году из бокалов, но сегодня Игорь играет на специальном инструменте, изготовленным по заказу Сашей Рекертом – тем самым человеком, который придумал веррофон. Эта арфа имеет...баянную настройку, поскольку по образованию Игорь – баянист. Второй участник трио – Владимир Попрас – играет на веррофоне, а третий – Владимир Перминов – на стеклянной пан-флейте.
Хрустальное трио много гастролирует – в их программе произведения различных стилей и эпох; не так давно ансамбль подготовил расширенную программу с хором и оркестром.
Кстати, в 2006 году Игорь Скляров со своей стеклянной арфой выступал вместе со знаменитым гитаристом Дэвидом Гилмором («Pink Floyd»). Также музыканты принимали участие в оперных постановках, в записи диска Бориса Гребенщикова и во многих других проектах.

Впрочем, первое известное упоминание «звучащего стекла» можно найти у Фрэнсиса Бэкона — легендарного ученого, политика и литератора. В эпохальном труде Sylva Sylvarum (1627) он описывает опыт со стаканом воды, наполненным водой. «...Увлажните свой палец и проведите им по краю стакана. Сделав так несколько раз, вы увидите на поверхности воды рябь...» — так Бэкон иллюстрирует эффект сжатия в сплошном теле. Примечательно, что при этом ученый не говорит ни слова о производимом звуке, хотя всего несколькими параграфами ниже пространно рассуждает о природе звука как такового. Комментаторы считают: Бэкон либо лукавил, либо имел проблемы со слухом.

Играть лучше всего на самом простом бокале без каких-либо украшений и узоров. Чем тоньше стекло, тем лучше. Впрочем, при определенном умении можно заставить звучать даже колокол воздушного насоса (опыт Рэлея). Пальцы должны быть чистыми и влажными. Нужно постоянно смачивать их и аккуратно, нежно водить по краю бокала — тогда звук наберет силу.

При извлечении звука образуются стоячие волны — бокал совершает невидимое для глаз колебательное движение. Высота звука прямо пропорциональна толщине стенок и обратно пропорциональна квадрату диаметра бокала. Впрочем, для объяснения природы звучания бокала придется выйти даже за институтский курс физики — объема статьи для этого явно недостаточно. Самые любознательные могут найти эту информацию самостоятельно, а я перейду к краткому обзору кристаллофонов.

Стеклянная гармоника
В 1757 году в Лондон прибыл великий американский ученый и дипломат Бенджамин Франклин. Франклин преуспевал практически во всем, за что брался. Он был известным издателем и публицистом, физиком и химиком, политическим деятелем, конструктором мебели и даже архитектором. Во Франклине умещалось столько способностей, что некоторые в шутку говорят: «Франклинов было несколько, просто они были близнецами...»

В Лондоне Бенджамин Франклин жил и работал в качестве представителя американских колоний Великобритании. В первую очередь дипломат хотел убедить короля в необходимости гибкой колониальной политики и предоставления некоторых свобод заокеанским территориям. Именно в Лондоне Франклин впервые увидел игру на стеклянной арфе, составленной из бокалов.

Некоторые источники утверждают, что Франклин побывал на лондонском выступлении Эдмунда Делэйвела в Кембридже в 1758 году — и там задался целью усовершенствовать стеклянную арфу. Также вполне вероятно, что ученый услышал концерт знаменитого австрийского композитора и музыканта Кристофа Виллибальда Глюка, который триумфально выступал по всей Европе с «музыкальными стаканчиками» конструкции некоего Ричарда Пакрича. Стаканчики Пакрича представляли собой изготовленный на заказ набор бокалов, то есть обычную стеклянную арфу.

Так или иначе, Бенджамин Франклин хотел сделать стеклянный инструмент более доступным — чтобы на нем мог играть любой пианист, а не только «специально обученный человек». Гармоника Франклина представляла собой набор стеклянных полусфер, нанизанных на металлический вал. Вал постоянно вращался при помощи ножного рычага (как в старых швейных машинах), а нижние половинки полусфер были погружены в воду. Музыкант мог просто класть пальцы на ту или иную полусферу — и раздавался протяжный, мелодичный звук. Расположение «клавиш» соответствовало обычной клавиатуре рояля (только в гармонике их было гораздо меньше — всего 37).

Изобретение Франклина и несколько данных им концертов вызвали в Европе бум стеклянных гармоник. Очень быстро инструмент покорил Германию, Австрию, а затем попал в другие страны Европы и даже в Россию. Стеклянная гармоника более чем на сто лет стала неотъемлемой частью симфонического оркестра. Первое публичное выступление с использованием стеклянной гармоники произошло в 1761 году, а спустя несколько лет она приобрела сумасшедшую популярность. Выдающиеся композиторы — Бетховен, Рихард Штраус, Берлиоз, Рубинштейн и многие другие — создавали специальные произведения для «звучащего стекла». Одно из лучших сочинений такого рода — «Адажио и рондо для стеклянной гармоники и квартета» В.А.Моцарта, написанное им специально для слепой музыкантши Марианны Кирхгеснер. Широко известно, что психиатр Франц Месмер использовал этот инструмент в своих гипнотических опытах. Французская королева Мария-Антуанетта также славилась искусством игры на стеклянной гармонике.

Но время странного инструмента ушло так же стремительно, как и началось. К середине XIX века концерты из бальных комнат переместились в огромные оперные залы. Без должного усилителя слабый звук гармоники просто не был слышен — и уникальный инструмент начал терять популярность, при необходимости его заменяли схожими по звучанию. Кроме того, сказывалась дороговизна инструмента. Впрочем, некоторые композиторы все же изредка включали партии гармоники в свои произведения. Например, в опере Глинки «Руслан и Людмила» есть партия, написанная специально для этого инструмента.

К началу XX века искусство создания стеклянных гармоник было полностью утеряно. Ряд инструментов XVIII и XIX веков сохранился, но они стали скорее музейными экспонатами, нежели полноценными частями оркестров. Кстати, одна из гармоник, на которых играл сам Франклин, дошла до наших дней и хранится в музее Баккен в Миннеаполисе, штат Миннесота, США.

Опыт

Если в тонкий бокал налить подкрашенную чернилами воду, а затем попытаться сыграть на нем, водя пальцем по краю, можно увидеть так называемые узловые линии. Вода будет повторять рисунок волн, распространяющихся от колебаний стекла; в месте, где остановится палец, возникнет явственная черная линия, идущая от пальца ко дну бокала.
Литрофон. В народе распространен и еще один «неофициальный» стеклянный инструмент, получивший прозвище «литрофон». Его можно изготовить на даче, на природе или даже в квартире. Попросту берется ряд бутылок и подвешивается за горлышки к горизонтальной перекладине. Если бутылки одинаковые – например, пивные, – то «настройка» производится добавлением воды в ту или иную бутылку. Все просто: чем меньше воды, тем ниже звук. А играть на литрофоне можно чем угодно.

В 1930-х интерес к стеклянным инструментам стал постепенно расти. Широко известен стал немецкий виртуоз Бруно Хоффман, игравший на стеклянной арфе. А стеклянная гармоника возродилась лишь в 1984 году. Немецкий мастер Герхард Финкенбайнер впервые за сто с лишним лет создал инструмент, пользуясь сохранившимися экземплярами и рисунками самого Франклина. И гармоника зазвучала.

На сегодняшний день самым знаменитым «гармонистом» считается француз Тома Блош. Начиная с 1992 года он исполняет на стеклянной гармонике самые разные произведения — даже рок и джаз. Сегодня стеклянные гармоники делают всего несколько человек в мире — по специальному заказу. Впрочем, если вам очень хочется, за скромную сумму в $19 995 уникальный инструмент можно приобрести на аукционе eBay. Но так как наша редакция подобной суммой не располагала, мы сделали гармонику самостоятельно, о чем вы можете прочесть в рубрике «Мастер-класс». А я перейду к стеклянному органу.

Стеклянный орган
Стеклянный орган появился гораздо позже гармоники — это инструмент XX века. Его историю можно разделить на две главы. В 1952 году два француза — братья Бернар и Франсуа Баше — сконструировали оригинальный инструмент. Он состоял из 54 тонких стеклянных трубочек, расположенных вертикально. Основной идеей братьев было создание стеклянного инструмента, который бы звучал громко и мог принимать участие в серьезных постановках и концертах. Поэтому вибрация каждой трубочки (по которой музыкант проводил пальцем) передавалась на что-то вроде металлических раструбов-усилителей. Звук органа Баше напоминал стеклянную гармонику.

Сегодня орган Баше используется крайне редко, причем в основном композиторами-авангардистами. Играть на нем довольно сложно, к тому же он чересчур дорог в изготовлении. Но история стеклянного органа имеет еще одну страницу. В 1983 году немецкий мастер Саша Рекерт спроектировал и построил еще одну разновидность подобного инструмента — веррофон. Внешне веррофон выглядит точь-в-точь как обыкновенный орган, только трубы у него стеклянные и наполненные водой. Впрочем, нельзя сказать, что Рекерт стал выдающимся новатором. Принцип веррофона, как, кстати, и органа Баше, ничем не отличается от принципа работы обычной стеклянной арфы. Разве что веррофон позволяет охватить три октавы. Музыкант просто проводит пальцами по кромкам трубочек, извлекая звук. Благодаря высоте трубочек и их объему стеклянный орган звучит сильнее, нежели стеклянная арфа.

К слову, Саша Рекерт известен и как мастер лучших на сегодняшний день профессиональных стеклянных арф. Его наборы бокалов идеально настроены и не требуют долива воды. Произведения, написанные для стеклянной гармоники, можно легко исполнять и на веррофоне. Просто высота звука зависит тут не от диаметра чаш, а от высоты трубочек органа.

Флейты и ударные
Помимо гармоники и органа, существует еще ряд кристаллофонов. В первую очередь стоит остановиться на стеклянных «ударных». В принципе, они отличаются от своих стальных и деревянных собратьев только материалом изготовления. Например, широко используется стеклянный ксилофон (или маримба), а также гласкорд, где удары по стеклянным емкостям с жидкостью производятся посредством клавиатуры. Иногда гласкордом называют стеклянную гармонику, но это неверно.

В тайской музыке используется инструмент «ранат каэо», в котором музыкант деревянным молоточком стучит по подвешенным стеклянным палочкам.

Стеклянная флейта, в принципе, представляет собой обыкновенную пан-флейту, только сделанную из стекла (сложно придумать другое определение инструменту, суть которого так точно отражена в названии). Естественно, она гораздо больше обычной флейты — в слишком тонких стеклянных трубках звук будет не таким густым и сильным.

Почему-то мне кажется, что время кристаллофонов еще наступит. Существуют сотни разновидностей инструментов из дерева — неужели у стекла меньше возможностей? Современные стеклодувы создают изделия удивительного изящества и сложности — значит, впереди новые открытия в области стеклянных инструментов, новые звуки, новые тона. Жалко, что нот всего 12 — и нельзя сказать «новые ноты». Хотя кто его знает...

Грибы в ушах: эта музыка не будет вечной
Наушники Korvaa безопасны для слуха и для окружающей среды: финская дизайн-студия Aivan изготовила их из бактерий и грибов.

Дуга сделана из твердого полилактида, полимера молочной кислоты, произведенной дрожжами. Гидрофобин, белок грибов-аскомицетов Trichoderma reesei, заменил мягкий наполнитель «подушек», а мицелий Phanerochaete chrysosporium – их кожаное покрытие. Синтетический аналог паутинного белка дал твердые нити для «проволочных» сеточек, прикрывающих динамики. «Конечно, пришлось пойти на некоторые компромиссы, – признаются разработчики Aivan, – однако свою работу наушники делают неплохо, а в природе разлагаются быстро и полностью».

Анатомия шоу: как готовят самые зрелищные фестивали России
Практически одновременно у нас пройдут два незабываемых фестиваля. В Москве 17–18 августа в Братеевском каскадном парке можно будет увидеть состязание команд – участников V Международного фестиваля фейерверков «Ростех». А недалеко от поселка Большое Козино в Нижегородской области 16–18 августа состоится главный фестиваль современной музыки Alfa Future People – AFP-2019.

Директор компании-организатора фестиваля «Пиротехнические технологии» Олег Долгов шутит, что Владимир Ильич Ленин ошибался: из всех видов искусств самым главным для нас является фейерверк. Это наиболее демократичное искусство, красивое, с положительными эмоциями, дающее ощущение праздника и ставящее яркую точку на закрытии любого мероприятия. Каждый год в России проводится от 12 до 15 региональных фестивалей фейерверков. Там, где фестивали прошли 3–4 раза, от них трудно отказаться: люди привыкают к красочному зрелищу. Первый подобный фестиваль – «Прометей» – проходил в парке Горького еще в 1990-х годах. Это было очень яркое событие: первый раз в Москву приехали команды из городов России и Украины. Потом было еще много фестивалей в Москве и других городах нашей страны. Но, поскольку в корпорации «Ростех» сосредоточены все разработчики и изготовители пиротехнической продукции, родилась идея фестиваля, где в состязании сошлись бы пиротехники – отечественные и зарубежные.

Немного истории
Хотя технология показа фейерверков у всех практически одинакова, у каждого коллектива пиромастеров есть собственный почерк, на который накладывается национальный колорит.

Фейерверк (от нем. Feuerwerk, Feuer – огонь и Werk – дело, работа) – взлетающие в воздух цветные декоративные огни, получаемые при сжигании различных пороховых составов во время торжеств и праздников, а также изделия из пиротехнических составов.
Взять, например, Мальту, остров-крепость, который жители вынуждены были непрерывно оборонять. Тогда производство пороха было почти при каждом дворе. В военное время он использовался для стрельбы из пушек, в мирное – для фейерверков. До сих пор запуск фейерверков на Мальте – национальная забава, и там более либеральное отношение к правилам безопасности при проведении таких шоу. Кстати, это же касается Испании и Мексики, где фейерверки зажигают рядом со зрителями.

Существует легенда, что Марко Поло привез порох из Китая в Италию, что дало старт развитию искусства фейерверков в Европе. И до сих пор в Италии сосредоточено значительное количество фабрик. Это, как правило, небольшие семейные предприятия, где секреты мастерства передаются от отца к сыну. Итальянские пиротехнические шоу – это красивая народная музыка, опера, темперамент. Мировое производство фейерверков в основном сосредоточено в странах Азии: Японии, Малайзии, Филиппинах и, конечно, Китае – это главный поставщик продукции на рынки всех континентов.История современных российских фейерверков началась в 1950-е годы, когда была поставлена задача создания пиротехнических изделий для салютов в честь участников и гостей Всемирного фестиваля молодежи и студентов в Москве. Эта задача была успешно решена учеными НИИ прикладной химии в подмосковном Загорске (ныне Сергиев Посад). Все современные разработки фейерверков появляются именно там.

Армейские корни
Исторически высотные фейерверки, называемые салютами, в СССР запускали подразделения Советской армии. Знаменитые московские салюты делает отдельный Салютный дивизион Западного округа, на вооружении которого стоят артиллерийские орудия для произведения холостых выстрелов, а также мобильные пусковые установки для запуска высотных салютов. Эти салюты можно ежегодно увидеть 23 февраля и 9 мая по всей Москве.

На Международном фестивале фейерверков «Ростех» зрители смогут увидеть то, чего нет на салютах 9 мая. Основная задача фестиваля – раскрыть технические и творческие возможности его участников в соответствии с определенной темой и техническим заданием. В этом году команды будут создавать свои шоу на тему театра. Ведь 2019-й в России – Год театра.

Подготовка шоу
Работа начинается с подбора музыкальных треков для будущего показа. Пиродизайнер разрабатывает программу представления, то есть последовательность срабатывания тех или иных изделий. Замысел переносится в компьютер. Существует несколько программ проектирования фейерверков, которые имеют большие библиотеки эффектов и позволяют просчитывать представление с учетом высоты и времени раскрытия зарядов и синхронизации с фазами музыкального произведения.

На нашем мероприятии две линии размещения пусковых установок. Первая линия – изделия нижнего уровня с высотой эффекта до 50 м. Вторая линия – высотные изделия, раскрывающиеся на высоте от 70 до 200 м. Самый трудоемкий монтаж на первой линии: изделия нужно выставить под определенным углом и в определенной последовательности. Этих изделий в 2–3 раза больше, чем высотных. Монтаж одного 10-минутного показа занимает 4–5 дней; все команды готовят показы одновременно. Первая линия состоит из 13 площадок запуска. На второй линии – 9 площадок. Команды должны соблюсти этот порядок расстановки.

В мире
Фестивали проходят во многих странах. В Канаде и США множество пиротехнических компаний: там любят гигантские фейерверки с использованием больших калибров. В Северной Америке главным считается фестиваль в Монреале. Ежегодно в первых числах сентября в Берлине на олимпийском стадионе проходит крупнейший фестиваль Европы – Pyronale. Также очень популярны фестивали фейерверков в Каннах, Монте-Карло, Таррагоне (Испания). Но настоящая мировая столица пиротехнического искусства – китайский город Люянг, в котором сосредоточено производство большей части фейерверков мира. Почти все население города работает на пиротехнических фабриках. Там построена единственная площадка в мире, предназначенная специально для запуска фейерверков, идеальная для команд и зрителей. Есть места для монтажа и запуска, операторы сидят в специальных зданиях, где уже проложены управляющие кабели. Зрительские места отделены от выступающих команд водной поверхностью. Вода, кстати, дает дополнительный эффект – отражение красочных картин (на фестивале «Ростех» фейерверки отражаются в Москве-реке).

Фестивали все разные, в каждом есть своя изюминка, и, конечно, хотелось бы посетить каждый. Но август стоит зарезервировать для российского фестиваля, ведь там ежегодно за звание лучшей соревнуются сильнейшие команды со всего мира.

Alfa Future People
Вообще-то дизайн сцен на фестивале современной музыки Alfa Future People является секретом и приятным сюрпризом для гостей. Но для нас Дмитрий Знаменский, основатель студии «Сетап», которая занималась дизайном и световым оформлением главной сцены, открыл некоторые тайны.

«Придумывая новые концепции своих шоу, мы не ориентируемся на конкурирующие фестивали на Западе, а черпаем вдохновение в архитектуре, – говорит Дмитрий. – При проектировании новой сцены нам изначально интересны необычные архитектурные формы». Основная идея главной сцены AFP-2019 – прорыв сквозь стену. Любую метафизическую стену. «Молодежь вообще не любит стены, если это не стены для граффити, – смеется Дмитрий. – Нам хочется рушить границы и стены». Ему кажется это новым, но я еще помню «The Wall» Pink Floyd. Впрочем, тогда я был таким молодым, как Дмитрий сегодня.

Дмитрий открывает ноутбук и запускает программу визуализации. Вау! Ничего подобного я еще не видел, но описывать визуальные эффекты – дело неблагодарное. «В этом году нам удалось реализовать идею, которую раньше не видели нигде в мире, – комментирует мою реакцию Дмитрий. – Нам удалось синхронизировать генеративный видеоконтент, который мы создаем в реальном времени, с работой световых приборов. У нас на сцене огромное количество экранов, а за ними множество световых приборов. Когда на экране зажигается определенная область, в этом же месте зажигается определенный световой прибор. Это очень эффектно и вручную сделать невозможно, только с помощью компьютеров».

Массовые действа с тысячами огней не новое развлечение; из древних примеров – еврейская Ханука с ее свечами, индийский Дивали, тайваньский Пинси – праздник бумажных фонариков. Добавьте к примитивным источникам освещения лазеры и мощные проекторы – и получите новый формат городского фестиваля. Завести собственный праздник огней стремятся в последние годы многие мировые столицы, и Москва не отстает: каждое лето у нас проходит фестиваль «Круг света»; в числе отработанных приемов таких мероприятий – архитектурный видеомэппинг (световые объемные проекции, чаще всего на узнаваемые здания), световые (или мультимедийные) инсталляции от современных художников, лазерные шоу, световые скульптуры.
Традиционно на главной сцене AFP присутствует гигантское лицо или какой-нибудь другой нарративный объект. В этом году команде «Сетап» удалось сохранить эту традицию, но, взглянув на нее с другой – я бы сказал, обратной – стороны, я увидел, что лучи света и лазеры прорезают и лицо, и главную сцену – как гигантские световые мечи из «Звездных войн».

Технологии
«Я не застал то время, когда чертили на кульмане. Мы изначально работали в программах 3D-моделирования, – говорит Дмитрий. – Года три назад мы обнаружили программу, как Capture, в которой можно посмотреть 3D-визуализацию со световыми реальными приборами – там есть библиотеки практически всего сценического оборудования. Особенность нашей работы в том, что мы действуем немного не так, как классические художники по свету. Мы научились объединять возможности светового пульта со специальным сервером, на котором стоит интерактивная программа TouchDesigner. Это среда разработки, внутри которой можно хоть роботами управлять, хоть световыми шоу. И в ней мы разрабатываем алгоритмы, которые потом заносим в пульт. В чем смысл? Работая с пульта, можно сымитировать условно сто нажатий в один момент, чтобы поменять позиции, цвет, фокус, интенсивность определенного прибора и т. п. А с помощью TouchDesigner можно имитировать несколько тысяч нажатий. Это все нереально сделать вручную».

Светохудожники
Меня всегда интересовала техника управления световыми эффектами на больших рейвах. Этим занимаются светохудожники при помощи светопультов – гигантских консолей с россыпью кнопок, к которым привязываются определенные действия. Работа светохудожника во время представления – слушать музыку и попадать в нужные моменты. Это настоящая импровизация, джаз времен киберпанка. В этом и заключаются мастерство и уровень такого специалиста, хотя, конечно, есть способы не пропустить опорные точки в музыке. Кстати, часто крутыми светохудожниками становятся бывшие барабанщики, которые лучше всех чувствуют ритм, понимают, что происходит, и очень вовремя переключают светоэффекты. У светохудожника на AFP-2019 будет несколько тысяч комбинаций, которыми он управляет со своего пульта. Да, на AFP используются сцены-заготовки, но они никогда не повторяются, потому что внутри каждой заложены элементы генеративности, запрограммированной случайности. Генеративность – следующий шаг в современных шоу, говорит Дмитрий. Были диджеи, которые играли на виниле, потом на MP3, потом на компьютерах, сейчас – на контроллерах, на которые завязаны определенные действия. Подобная революция происходит и в визуальной части.

Классические художники по свету используют пульт как большой световой прибор – в сущности, набор кнопок. Они ограничены функционалом этого пульта, поэтому и их эффекты схожи – так в 1970-х были стандартные эффекты для электрогитар или синтезаторов. А команда Знаменского при помощи генеративных алгоритмов и TouchDesigner расширяет возможности на практически бесконечное количество вариантов. Загляните в удивительный мир киберпанка, вернее на AFP-2019! Что, по сути, одно и то же.

Любимому рокеру-дебоширу: «неубиваемая» гитара
Шведская фирма Sandvik разработала и изготовила гитару, которую невозможно сломать.
Разбивание гитар является частью сценического шоу многих музыкантов. Этим в свое время занимались Джимми Хендрикс, Ричи Блэкмор и Ингви Малмстин. Поклонником последнего с детских лет является инженер фирмы Sandvik Хенрик Лойкканен. Он не только прилично играет на гитаре, но и всегда хотел сделать эксклюзивный инструмент для своего кумира.

В свое время Ричи Блэкмор признался, что даже с его доходами в Deep Purple и Rainbow было непозволительной роскошью разбивать на каждом концерте Fender Stratocaster. Поэтому он заменял легендарную и очень дорогую гитару японскими копиями. Но «японцы» тоже стали с годами недешевыми, и Блэкмор от практики уничтожения инструментов давно отказался. Да и как-то несолидно в его-то годы крушить гитары, чего поклонники сейчас могут банально не понять.

Другое дело – Ингви Малмстин. Он по-прежнему бодр, задорен и каждое свое выступление превращает в шоу, на которых гитары ломаются десятками ежегодно, в том числе и дорогущие именные Fender Stratocaster. На днях на концерте во Флориде шведско-американский виртуоз получил такой инструмент, которому не страшны никакие нагрузки. Шведская фирма Sandvik презентовала своему земляку «неубиваемую» гитару, гриф которой изготовлен из нержавеющей стали, а дека напечатана из титана на 3D принтере. Причем гриф был сделан скалопированным, то есть с углубленными ладами. Именно такой любит Малмстин и очень не любят другие гитаристы.

Момент истины для изготовленной в единственном экземпляре гитары наступил под занавес концерта, когда Маэстро Малмстин принялся громить колонки Marshall. Колонки этой экзекуции не пережили, чего не скажешь про гитару, выдержавшую все издевательства. Более того, после всех измывательств Малмстин продолжил играть и инструмент звучал не хуже, чем звучал до экзекуции. Вердикт Маэстро был таков: «Гитару невозможно разрушить, но ей можно разрушить все вокруг».

Разумеется, это был всего лишь демонстрационный образец, не имеющий серийных перспектив. Стоит дорого, да и не всякий гитарист использует свою гитару в качестве кувалды. Это своеобразное «наследие» эпохи Джимми Хендрикса и Ричи Блэкмора, а Ингви Малмстин последний из могикан той эпохи.

Не надо слов: вышло приложение для общения фрагментами песен
Новый сервис позволит пользователям общаться друг с другом исключительно посредством отрывков музыкальных произведений.




Бесплатное приложение для iOS получило название La-La. Работает оно следующим образом: вы хотите сказать собеседнику «Привет!», для чего ищете соответствующую песню (например, условно, «Привет» группы «Секрет»), выбираете нужного человека в списке контактов и жмете «Отправить». Готово! Те, у кого приложение не установлено, могут получать музыкальные послания по SMS. Интрига в том, что получатель не знает, что именно ему отправили, пока не прослушает присланный фрагмент.

В отличие от других приложений, позволяющих сопровождать ссылкой на песню текстовое сообщение или картинку, в La-La можно общаться исключительно с помощью отрывков песен.

Сейчас приложение имеет довольно неплохой выбор лицензионной музыки популярных исполнителей, а также дает возможность создавать свои собственные сообщения. Для этого нужно найти соответствующую песню на YouTube и вырезать подходящий отрезок.

Лютня маркиза де Садова: 32-струнная гитара
Что такое идеальная гитара? Для кого-то это обычная ленинградская «шестиструнка». Для кого-то – доставшаяся в наследство от деда русская «гитара семиструнная!.. Вся душа полна тобой, а ночь такая лунная!!!». А для московского музыканта Сергея Садова – это два грифа, тридцать две струны, особый строй, сдвоенные струны «для усиления басов», кельтские и языческие символы на корпусе.

Когда автор шел по Старому Арбату на встречу с Сергеем Садовым (именно там его можно застать каждый день, играющего «психоделический альтернативный классицизм», как говорит сам Сергей), в голове у него крутился простой вопрос: зачем пытаться объединить в одном инструменте гусли, ситар, гитару и балалайку? «Звук нового инструмента я услышал во сне, — рассказал нам Сергей Садов. — И как только проснулся — сразу к пианино. Зафиксировал и понял, что гитарного диапазона недостаточно. Решил — всё, все свои гитары продаю, буду делать новый инструмент. Так появилась "Гранд-садора": здесь 32 струны, "ситарный" блок, увеличенная мензура, скаллопированные лады, особый строй, midi-датчик и еще куча аппаратуры "за кулисами". Но когда ее сделали, встал вопрос: а как на ней играть? Я же не умел. Пришлось учиться по новой».

Меряемся мензурами
Так чем же «Гранд-садора» отличается от обыкновенной гитары? Первое, что бросается в глаза, — два грифа и куча струн (некоторые из них сдвоены). Однако два грифа сегодня не такая уж редкость. На сцене периодически появляются не только двух-, но и трех-, и четырехгрифовые гитары. С большим количеством струн экспериментировали еще в начале ХIХ века — в музеях сохранились семнадцатиструнные инструменты. А как звучат сдвоенные басовые струны, украшающие нижние частоты (каждая вторая струна в паре настраивается через октаву к первой, при игре задевают обе одновременно), вы можете послушать в любом гитарном магазине. Там обязательно найдется пара «двенадцатиструнок» — это та же «шестиструнка», но у нее как бы две струны вместо одной.

"Гранд-Садора"
Идеальный инструмент для психоделического альтернативного классицизма.
А вот увеличенная мензура (расстояние от порожка до задней подставки, или длина открытой, не зажатой ни на одном ладу, струны) — это уже серьезно. Как объяснил нам Сергей, мензуру проще всего сравнить с колоколом. Чем он больше, тем звук ниже. У скрипки же мензура, наоборот, маленькая, поэтому и звук высокий. У классической гитары мензура равна 650 мм. У «Гранд-садоры» — 740, близка к бас-гитарной. Однако за счет большого количества струн диапазон «Гранд-садоры» покрывает и бас, и классическую гитару. Соответственно, и возможности шире — доступны очень сложные аккорды. Но есть и минусы — играть становится тяжелее. «Вспомните контрабас. По форме он такой же, как скрипка, но сыграть так же виртуозно невозможно — мензура большая, — объяснил Сергей. — Для игры на ‘Гранд-садоре' необходимы мощные и гибкие руки. Без этого даже аккорд не зажать».

Инкрустация. Кельтские и языческие символы на корпусе инструмента, выполненные вручную из ракушек, – это часть его души.

«Ситарный» блок. 12 струн «ситарного» блока звучат не только при ударе медиатором. Как и на настоящем ситаре, они резонируют, когда музыкант играет на основных струнах, создавая богатый гармониками фон.

Верхний порожек. Широкий порожек из окаменевшей кости мамонта – неотъемлемая часть «ситарного» блока. Колеблющиеся струны трутся об него, и их звучание обогащается звонкими гармониками.

Гитарный синтезатор. Благодаря MIDI-датчику и гитарному синтезатору музыкант может играть звуком любого инструмента.
Что касается скаллопированных ладов (полукруглая выемка между металлическими порожками на верхней стороне грифа), они встречаются и на «обыкновенных» гитарах. Например, гитарист Ингви Мальмстин принципиально использует гитары со скаллопированным грифом. При игре пальцы музыканта не касаются накладки грифа, а контактируют только со струнами. За счет этого уменьшается трение и улучшается контроль при исполнении подтяжек и вибрато, однако игра на гитаре со скаллопированными ладами требует от музыканта особой чуткости.

Материалы. Дека, корпус, гриф — горный волнистый клен; накладка на гриф и подставки для струн — черное дерево; порожки — кость мамонта; инкрустация — белые и зеленые ракушки (жемчужница и гелиопис).
Грифы — вклеенные, из трех частей. Верхний гриф — 24 лада, 10 струн (две басовые струны сдвоены). Нижний гриф — 24 лада, 5 струн на основном блоке (лады скалопированные) + 12 струн на «ситарном» блоке. Корпус — полый; мензура — 740 мм.
Струны. Верхний гриф — два комплекта гитарных струн 10−46 и 12−52; нижний гриф, основной блок — один комплект 10−46; ситарный блок — первые три струны 0.9, все остальные — 0.8.
Строй (от верхних струн к нижним). Верхний гриф — фа, до, фа, ля, до, фа, ля, до; нижний гриф, основной блок — фа, до, фа, до, фа; нижний гриф, «ситарный» блок — фа, до, до, си-бемоль, до, ре, ми-бемоль, фа, соль, ля, си-бемоль, до.
Электроника. Пьезозвукосниматель Highlander с предварительным усилением без темброблока; midi-датчик Roland GK-2.

В восточной культуре глубокие лады играют особую роль — повышают интонационную гибкость инструмента. Например, на ситаре можно, зажав струну на одном ладу, сыграть всю гамму, подтягивая ее на нужную высоту. Конечно, и на обыкновенной гитаре можно делать подтяжки, «бенды». Однако, как объяснил Сергей, выше, чем на тон-полтора, не получится. Для этого нужна еще и большая мензура. И чтобы обойти это ограничение, гитаристы делают «машинки» — Tremolo, Floyd Rose. «Но у машинки другая проблема, — говорит Сергей. — Она подтягивает или опускает все струны сразу. Поэтому на машинках играют в основном партии соло. А я могу взять аккорд и потянуть единственную ноту, при этом аккорд никуда не "уплывает".

Всегда в строю
«Гранд-cадора» примечательна не только конструкцией, но и особой настройкой. Строй на верхнем грифе — что-то среднее между русской «семистрункой» и гуслями. Только добавлена восьмая струна, и в целом он немного понижен. «С помощью боковых колков я хотел добавить струны так же, как и на ‘ситарном' блоке. Но потом передумал», — говорит Сергей.

Гитара Picasso
4 грифа, 42 струны и 2 года работы. Гусли, мандолина и «обычная» гитара в одном инструменте. Это шедевр «Пикассо». Да, да, именно так называется этот удивительный инструмент, разработанный канадским мастером Линдой Мензер специально для джазового гитариста Пата Метени. «Пат попросил меня сделать гитару с как можно большим количеством струн, - вспоминает Линда». У нее тонкий корпус из ели. При этом настроенный инструмент испытывает давление в 400 кг – в 4 раза больше, чем у обыкновенной гитары.
Пятиструнный блок на нижнем грифе ближе всего к индийскому инструменту вина. «В целом эта конструкция позволяет совмещать разные культуры, объединять славянские и азиатские музыкальные традиции, — объяснил Сергей. — К примеру, я ‘прохожусь' медиатором от начала ‘ситара' до самого конца нижнего грифа. А там, на пятиструнном блоке, зажат какой-нибудь русский аккорд — такого синтеза вы больше нигде не услышите». Кстати, все 32 струны Сергей запросто настраивает по тюнеру за пять минут.

Арфа-гитара
Или Harp-guitar, если по-английски. Инструмент более чем с двухвековой историей и знаменитыми «пользователями» от итальянского виртуоза Паскуале Тараффо до гитариста Led Zeppelin Джимми Пейджа. В общем случае, арфа-гитарой называется любая гитара с дополнительными «открытыми» струнами – зажать их на определенном ладу невозможно, соответственно каждая струна позволяет извлечь всего одну ноту.
По словам Сергея, на «чистом» звуке в «Гранд-садоре» можно услышать русские гусли, арфу, балалайку, ситар, вину и арабскую лютню. Но если задействовать ту «кучу аппаратуры за кулисами», в основе которой лежит гитарный синтезатор, «Гранд-садору» можно превратить в любой инструмент мира, даже духовой или ударный. «Для игры разными звуками мало просто прицепить к порожку midi-датчик и настроить сэмплер, — говорит Сергей. — Чтобы передать звучание восточных инструментов, одной гитарной техники мало. Например, стоит у вас дома фортепиано. Один музыкант сыграет на нем Рахманинова, другой — блюз. Инструмент один, а мышление-то разное. Если я ‘включаю' виртуальный дудук, так я и на настоящем сыграю. Пусть не виртуозно, но базовые вещи умею. А если вы хотите ‘как на ситаре', нужно разбираться в восточной школе».

Гитара Штрянина
1934 год. Советский союз. Первая «пятилетка» в самом разгаре. В свободное от работы время парторг Штрянин из колхоза «Гигант» деревни Бессоновка все что-то пилит-пилит, клеит-клеит на кухне и ведет себя, мягко говоря, весьма подозрительно. Но не торопитесь с выводами, уважаемые товарищи! Штрянин всего-навсего изобретатель-самоучка, а пилит и клеит он свое драгоценное детище – 23-струнную электрическую гитару. Где сейчас находится гитара Штрянина история, а точнее архивы ГИМНа (Государственного института музыкальной науки), умалчивают. Однако вместе с чертежами и фотографиями готового инструмента сохранилось и письмо мастера, в котором он сообщает, что «уже отыграл концерт в сельском клубе» и принялся за новую новацию – тоже гитару, уже 38-струнную. На фото – не гитара Штрянина, но нечто похожее.
Чтобы понять, чем восточная школа отличается от западной, мы обратились к специалисту по индийским инструментам Андрею Бочко. Андрей объяснил, почему гитарист из музучилища никогда не сможет сыграть «как на ситаре»: «Европейскому музыканту, чтобы сыграть индийское произведение, придется заново всему учиться. В западной школе в октаве 12 нот, а в индийской — 22. У нас между ‘до' и ‘ре-бемоль' пусто. А в индийской школе между ними, грубо говоря, промежуточные ноты. На рояле вы таких клавиш не найдете. Но вообще гитары, скрипки и другие европейские инструменты позволяют их извлекать — например, делать "ситарные" подтяжки в четверть тона. Дело именно в школах игры — европейские музыканты такие возможности никогда не развивали».

Стик и гитара Уорра
Стик – это специальный инструмент для игры «теппингом», разработанный Эмметом Чапменом в середине 60-х. Теппинг или так называемая «фортепианная техника» - это особый способ извлекать ноту резким ударом пальца по струне на определенном ладу. Это позволяет - в отличие от традиционной игры, когда в «создании» одной ноты участвуют обе руки – «разделить» руки и извлекать ноты всеми десятью пальцами. Теперь каждая рука может вести свою независимую мелодическую линию, брать аккорды – прямо, как на фортепиано. Но на традиционной гитаре теппинг-гитарист сталкивается с определенными трудностями, поэтому с распространением теппинга началась разработка и специальных инструментов для него. Так и появился Стик, который внешне напоминает чрезвычайно широкий гриф от гитары без корпуса с 8, 10 или 12 струнами. А гитара мастера Марка Уорра – это главный конкурент Стика. Warr дает гитаристу возможность использовать не только теппинг, но и всем известные пальцевую и медиаторную техники.
Игра на костях
Посмотрев на «Гранд-садору» снаружи, мы, конечно же, захотели узнать, что у нее внутри. Гитарный мастер Дмитрий Сушков рассказал, какие ингредиенты он использовал для приготовления такого необычного блюда. Для деки инструмента выбрали клен — как за его особую звонкость, так и за повышенную прочность. Из-за большого количества струн дека гитары испытывает огромные нагрузки. Например, на обычной «шестиструнке» струны создают 80-килограммовое давление. А на «Гранд-cадоре» целых 32 струны. Гриф сделан трехслойным (в некотором cмысле это стандарт для современных гитар), чтобы избежать «перекоса». Дерево уже в готовой гитаре постоянно изгибается, дышит и впитывает влагу из воздуха.

Тритара
Тритара («Tritare» англ.) – это трехгрифовая шестиструнная электрогитара, разработанная математиками Самюэльем Годе и Клодом Готье из канадского университета Монткона. А также одна из самых серьезных инноваций в области струнных инструментов за последнее время. Самая соль Тритары в струнах – они Y¬-образной формы. В отличие от традиционных линейных струн, удар по Y-образной вызывает не только колебания основной частоты и разнообразные гармоники (частоты в целое число раз кратные основной частоте), но ещё и негармонические колебания, которые характерны, например, для такого инструмента, как гонг, - объясняют создатели Тритары. – Поэтому в зависимости от техники Тритара покрывает диапазон от гитары до колокола. Поэтому она представляет принципиально новый класс струнных инструментов.
Окаменелую кость мамонта для порожков также выбрали не случайно. Такой порожек присутствует на всех ситарах и придает им особое звучание. Во время колебания струна трется о кость — отсюда знаменитый дребезжащий ситарный звук, богатый гармониками.

«Это, пожалуй, самый нестандартный проект из всех, которые я делал, — рассказал Дмитрий. — И самый трудный. В самом начале семимесячного срока разработки я проконсультировался с профессиональным ситаристом, изучал ситар. Многое пришлось делать вручную, старые заготовки просто не работали. Иногда инструмент приходилось подолгу держать на весу — на станок он не укладывался. А закончили инкрустацией из ракушек — вручную, с помощью стоматологических бормашин».

Peugeot 9X8: 1000-сильный гибридный гиперкар, который участвует в чемпионате мира
Peugeot представила свой гиперкар с ДВС и электродвигателем, который примет участие в четвертой гонке чемпионата мира по гонкам на выносливость FIA в Монце.

Давно мы не видели таких мощных и красивых авто не на рендерах, а в жизни. Интересно, что авто скоро примет участие в чемпионате мира по гонкам на выносливость

В прошлом Peugeot добивался определенных успехов в гонках на выносливость мирового уровня, достигнув пика в начале 90-х годов, завоевав титул конструктора чемпионата мира по гонкам на выносливость в 1992 году и завоевав подиум на 24 часах Ле-Мана в 1993 году. Теперь автопроизводитель решил вернуться со своим новым концептом, который примет участие в четвертой гонке чемпионата по гонкам на выносливость этого года.

Гибридный гиперкар
Peugeot 9X8 поражает не только своим внешним видом, но и начинкой. Правда, он все же ограничен теми же правилами гонки, что и гиперкары Toyota, Alpine и Glickenhaus: шины Michelin, минимальный вес 1030 кг и максимальная мощность в 500 кВт (671 л.с.), разделенная между двигателем внутреннего сгорания и электродвигателем.

Peugeot выбрал для своего гиперкара 2,6-литровый битурбированный двигатель V6 на задней оси – это самый маленький двигатель в классе на сегодняшний день, но он способен развивать максимальную мощность в 520 кВт (697 л.с.) даже без электродвигателя, поэтому для гонки его пришлось дефорсировать. Электродвигатель, приводящий в движение передние колеса, имеет мощность в 200 кВт (360 л.с.), питаясь от 900-вольтовой аккумуляторной батареи высокой плотности.

Время покажет, имеет ли 9X8 чемпионскую ДНК, но даже внешне эта модель произведет фурор. Полностью лишенный заднего антикрыла, он выглядит так, будто в любую минуту может взлететь и доставить вас на Корусант, а его огромные фары с тройным разрезом и похожие на осколки задние фонари (выполненные в стиле логотипа Peugeot Sport) выглядят зловеще.

КИМ-10: советский автомобиль, который не одобрил сам Иосиф Сталин
В СССР в предвоенные годы был отмечен рост «благосостояния трудящихся», и партия решила, что пришло время строителям коммунизма пересаживаться с мопедов и мотоциклов на личные автомобили. Этот шаг должен был стать наглядным свидетельством того, что «жить стало лучше, жить стало веселей». Кроме того, опытные автомобилисты очень пригодились бы армии в случае вoйны. К сожалению, военные действия начались раньше, чем появился класс советских автолюбителей.

Но в конце 1930-х об этом еще никто не знал. В апреле 1939 года завод КИМ был выведен из структуры Горьковского автозавода и стал самостоятельным предприятием. Именно в Москве было принято решение наладить выпуск первого советского «народного» автомобиля, разработанного на основе британской малолитражки Ford Prefect. Машина для своего времени была далеко не передовой, рамной конструкции, двухдверная, с зависимой передней и задней подвеской на поперечной рессоре, но достаточно простая и дешевая. Последнее обстоятельство играло немаловажную роль, так как будущий КИМ-10-50 должен был стоить 7000 рублей. То есть, простой советский рабочий или представитель творческой интеллигенции, вполне могли позволить себе такую покупку.

«Натурализовать» Ford Prefect было поручено группе конструкторов под руководством Андрея Островцева, а дизайн кузова дорабатывал художник Бродский. Благодаря всем переделкам КИМ-10-50 хоть и остался похож на своего английского собрата, но при этом получил ряд отличий. Фары, располагавшиеся на крыльях, были интегрированы в переднюю часть кузова, исчезли подножки, был доработан капот аллигаторного типа, машина получила раздельные передние сидения, панель приборов разместили перед водителем, появилась такая немыслимая для дешевого автомобиля роскошь, как задние шторки. Машина должна была выпускаться с кузовом седан (КИМ-10-50) и кабриолет (КИМ-10-52).

Пресс-формы для штамповки кузовных панелей были заказаны у американской фирмы Budd, которая также обязалась отштамповать первые 500 кузовов. После этого формы должны были быть переданы Горьковскому автозаводу, который выступал в роли смежника. Также в число смежников попал ЗиС, который отвечал за выпуск рамы и подвески, и еще несколько десятков предприятий. Финальная сборка КИМ-10 должна была осуществляться в Москве.

В год планировалось выпускать до 50 тысяч автомобилей, но эти планы так и остались на бумаге. Срок начала серийного производства КИМ-10 был сдвинут из-за того, что машина не понравилась высшему партийному руководству. Если быть точнее, то машину забраковал лично Сталин, который остался недоволен двухдверной компоновкой. История «забраковки» стала практически легендарной, и хотя ее достоверность вызывает определенные сомнения, именно после смотрин автомобиля вождем народов своей министерской должности лишился Иван Лихачев, а ГАЗ в авральном порядке кинулся разрабатывать четырехдверный КИМ-10-52, опытный образец которого был собран весной 1941 года.

Между тем из США были получены пресс-формы и кузова, которые было решено пустить в дело. За оборудование и кузовные панели было заплачено валютой, поэтому, несмотря на недовольство двухдверкой «на верху», КИМ-10-50 все же пошел в серию. Пусть и небольшую.

Длина машины составляла 3,84 метра, ширина – 1,43 м, вес – 840 кг. От Ford Prefect был позаимствован также и тридцатисильный 1,17-литровый двигатель, трехступенчатая механическая коробка передач и устаревшая зависимая подвеска на поперечной рессоре. В целом, КИМ-10-50 был не так уж и плох и мало в чем уступал тогдашним европейским малолитражкам. А уж машина с четырехдверным кузовом и вовсе была пределом мечтаний советских граждан. И мечта эта могла бы осуществиться, но после 22 июня 1941 года стране стало не до выпуска «народных» автомобилей.

После вoйны завод сменил название с КИМ на МЗМА, и вместо КИМ-10 стал выпускать «Москвич-400», который и стал первым советским по-настоящему массовым народным автомобилем. Если КИМ-10, включая опытные образцы, было выпущено менее 500 штук, то «Москвич-400» — более 200 тысяч автомобилей. До наших дней дожили считанные экземпляры КИМ-10, которые находятся в музеях. И хотя КИМ-10 так и не стал народным автомобилем, винить в этом стоит не его разработчиков – те со своей работой как раз справились, - а ход истории. Автомобилю просто не повезло родиться в начале сороковых годов, ставших самыми тяжелыми за все время существования страны.

Создана первая квантовая плата: невероятный прорыв в области квантовых вычислений
Австралийские ученые создали первую в мире схему квантового компьютера, которая содержит все основные компоненты классического компьютерного чипа, но в квантовом масштабе.

Это знаменательное открытие потребовало подготовки длиной в девять лет.

«Это самое захватывающее открытие в моей карьере», — призналась в интервью порталу ScienceAlert старший автор и квантовый физик Мишель Симмонс, основатель Silicon Quantum Computing и директор Центра передового опыта квантовых вычислений и коммуникационных технологий UNSW.

Мало того, что Симмонс и ее команда создали то, что по сути является функциональным квантовым процессором, они также успешно протестировали его, смоделировав маленькую молекулу, в которой каждый атом имеет несколько квантовых состояний — то, чего традиционному компьютеру было бы трудно достичь.

Теперь мы на шаг ближе к тому, чтобы, наконец, использовать мощность квантовой обработки, чтобы лучше понять окружающий нас мир, даже в самом маленьком масштабе.

Чтобы совершить скачок в области квантовых вычислений, ученые использовали сканирующий туннельный микроскоп в сверхвысоком вакууме для размещения квантовых точек с субнанометровой точностью.

Расположение каждой квантовой точки должно быть правильным, чтобы схема могла имитировать то, как электроны прыгают по цепочке атомов углерода с одинарной и двойной связью в молекуле полиацетилена.

Самым сложным было выяснить: сколько именно атомов фосфора должно быть в каждой квантовой точке; точное расстояние между каждой точкой; а затем сконструировать машину, которая могла бы размещать крошечные точки в точном порядке внутри кремниевого чипа.

Исследователи говорят, что если квантовые точки слишком велики, взаимодействие между двумя точками становится «слишком большим, чтобы управлять ими независимо друг от друга». Если точки слишком малы, это вносит случайность, потому что каждый лишний атом фосфора может существенно изменить количество энергии, необходимое для добавления еще одного электрона к точке.

Последний квантовый чип содержал 10 квантовых точек, каждая из которых состояла из небольшого количества атомов фосфора. Двойные углеродные связи моделировались путем установления меньшего расстояния между квантовыми точками, чем одинарные углеродные связи.

Полиацетилен был выбран потому, что это хорошо известная модель, и поэтому ее можно использовать для доказательства того, что компьютер правильно моделирует движение электронов через молекулу.

Квантовые компьютеры в подобных операциях бесценны, поскольку классические компьютеры не могут моделировать большие молекулы — это слишком сложная операция. Например, для моделирования молекулы пенициллина с 41 атомом классическому компьютеру потребуется 1086 транзисторов, что «больше, чем атомов в наблюдаемой Вселенной».

Квантовому же компьютеру потребуется только процессор с 286 кубитами (квантовыми битами).

Еще одним потенциальным применением квантовых вычислений является изучение искусственного фотосинтеза и того, как свет преобразуется в химическую энергию посредством органической цепи реакций. А другая большая проблема, которую могут решить квантовые компьютеры, — это создание удобрений. Тройные азотные связи в настоящее время разрушаются в условиях высокой температуры и давления в присутствии железного катализатора для создания фиксированного азота. Поиск другого катализатора, который может сделать удобрение более эффективным, может сэкономить много денег и энергии.

Инженеры MIT заставили крошечных летающих роботов светиться — разумеется, во имя науки
Инженеры из Массачусетского технологического института добавили новую возможность летающим роботам — теперь они могут светиться, когда взмахивают крыльями. Вдохновленная светлячками, эта флуоресценция может помочь в общении или отслеживании крошечных, легких аппаратов.

Новая работа основана на предыдущих разработках команды относительно сверхлегких летающих роботов, которые достаточно прочны для своего масштаба. Ключевым компонентом более ранней работы был мягкий привод, состоящий из тонкого цилиндра, состоящего из чередующихся слоев эластомера и углеродных нанотрубок. Когда подается напряжение, угольные электроды сжимают эластомер, что создает механическую нагрузку, которая заставляет крыло взмахивать.

Для нового исследования исследователи модифицировали эти приводы, чтобы они также загорались, когда работают. Это достигается за счет включения частиц сульфата цинка во внешний слой эластомера. Эти частицы являются электролюминесцентными, то есть они загораются в присутствии электрического поля — в данном случае того, которое проходит через слои углеродных нанотрубок.

Для демонстрации работы системы инженеры выложили буквы MIT на корпусе робота

Изменение химического состава частиц цинка заставляет их светиться разными цветами, которые команда использовала для создания зеленых, оранжевых и синих вариаций. Они также сделали несколько маскирующих слоев, чтобы создать световые узоры, которые вспыхивали в форме букв M, I и T.

По словам команды, свечение обходится роботу довольно «дешево», требуя всего на 3% больше энергии и добавляя в целом на 2,5% больше веса.

Все это было сделано не для красоты. Исследователи утверждают, что мигающие огни можно использовать для отслеживания роботов на открытом воздухе или для того, чтобы рой из них мог общаться друг с другом, поскольку они не смогут нести много электронного оборудования.

В ходе испытаний команда показала, что ярких летунов можно мониторить с помощью простых камер смартфонов и специального программного обеспечения, которое обнаруживает различные цвета света и точно определяет положение роботов с точностью до 2 мм.

В будущей работе исследователи планируют изучить способы, позволяющие роботам включать и выключать свет, обеспечивая более детальное общение.

Робот на нейроморфном чипе сыграл в «кошки-мышки»
Исследователи из Университета Цинхуа, Пекин разработали нейроморфный процессор, который позволяет роботу решать сложные задачи ориентации в быстро меняющейся среде. Новый процессор почти в два раза энергоэкономнее лучших аналогов. Чтобы продемонстрировать, как работает процессор, ученые сделали робота — «кота Тома», который гоняется за «мышкой Джерри».

Нейроморфные процессора могут дать решительный толчок развитию мобильных автономных роботов

Автономные мобильные роботы обычно имеют ограниченное количество энергии, которую приходится использовать как для передвижения, так и для работы нейросетей. Причем энергия необходимая для ИИ постоянно и быстро растет.

«Мы стремились разработать нейроморфный чип, который будет функционировать как мозг роботов», — пишет профессор Университета Циньхуа Лупинг Ши

В последнее время интерес к нейроморфным вычислениям вырос, в том числе из-за возможности оптимизации использования энергии нейронными сетями и алгоритмами искусственного интеллекта (ИИ).

Прямо сейчас процессоры не могут эффективно удовлетворить потребности ИИ, но нейроморфные системы  могут стать решением.

Ученые построили нейроморфный чип TianjicX и разработали для него программное обеспечение. Затем они поставили чип на автономного мобильного робота по имени Tianjicat и провели с ним демо-игру в кошки-мышки.

"Том и Джерри"
Автономный четырехколесный "кот" сейчас схватит "мышь".
Во время игры Tianjicat должен выполнять одновременно много разных задач: отслеживать движение неавтономного робота — мышки, огибать препятствия, распознавать объекты и идентифицировать звуки. (Неавтономный робот — это обычная радиоуправляемая игрушка). «Игра в кошки-мышки на самом деле более сложна в реализации, чем кажется. Она требует анализа нескольких источников данных (сенсоров) для работы со сложными и динамичными сценариями, что считается ключом для достижения роботами интеллекта, подобного человеческому». — пишут ученые.

Анализ показал, что TianjicX тратит вдвое меньше энергии, чем лучшие аналоги, а время задержки между принятием решения и его выполнением — меньше в десятки раз, чем у процессоров NVIDIA.  .

Прогресс все-таки есть
Чтобы оценить какой же огромный путь прошла робототехника за последние 40 лет стоит посмотреть уникальную историческую запись — на ней первый робот, который научился обходить препятствия, — знаменитая Стэнфордская тележка. На видео 1979 года роботу удается обогнуть стул и проехать из одного угла комнаты в другой. На видео путь занимает около минуты, в реальности на это ушло 5 часов.

Робот-гуманоид вырастил мышцы из человеческих клеток
Ученые Оксфордского университета смогли вырастить из человеческих клеток мышцы для робота. Исследователи считают, что такого рода выращивание будет в дальнейшем крайне полезно для людей. Мышцы нельзя вырастить в «чашке Петри». Чтобы они нормально развивались, им нужна постоянная нагрузка. Эту нагрузку как раз и обеспечивает робот, который работает, как биореактор.


Чтобы вырастить мышцы для человека, робот сначала их выращивает и для себя. Значит скоро у роботов появятся мягкие ткани

Человеческие клетки, выращенные в лаборатории, однажды могут быть использованы для различных тканевых трансплантатов, но эти клетки нуждаются в правильной среде и стимуляции.

Новое исследование, проведенное в Оксфордском университете, предполагает, что тела роботов могут обеспечить сухожильным клеткам такое же растяжение и скручивание, как в реальном человеческом теле.

Еще неизвестно, приведет ли использование роботов для тренировки человеческих клеток к получению лучших тканей для трансплантации пациентам, но вполне возможно открывается перспектива для развития нового направления в робототехнике — выращивание тканей и органов для роботов-гуманоидов из клеток человека. Например, мы писали, как из коллагена и клеток фибробластов кожи человека была выращена кожа для робота.

У робота, показанного на видео, «человеческие» — только клетки плечевых сухожилий. Он уже умеет двигать рукой влево-вправо, и пока не умеет — вверх-вниз. Ученые уверены, что скоро научится.